©José Manuel Merello.
Gedanken eines Malers

“Die abstrakte und surrealistische Malerei sind nicht nur essenziell und wunderbar an sich, sondern haben auch eine unbezahlbare pädagogische Funktion für jeden Künstler. Sie sind schon Teil der klassichen Kunst geworden und bilden künstlerisches Kulturerbe für die geistige und technische Bildung des Künstlers. Sie sind Gymnastik für das Unterbewusstsein und das Auge, Orte, an denen fast alle spirituellen Gefühle und Emotionen geschmiedet werden, die letztlich zum Bau dieser unermesslichen und grandiosen Sache führen, der wir den Namen DIE KUNST DER MALEREI gegeben haben.” © José Manuel Merello

“Ein Rahmen ist für ein gutes Gemälde das, was ein Kleid für eine schöne nackte Frau ist. Er ist nicht unabdingbar, aber erhebt das Kunstwerk und gibt ihm Reiz.”© José Manuel Merello

 “Ich verabscheue den grössten Teil des Minimalismus, der heute bei allen Künsten angewandt wird. Ich fürchte, dass in dieser angeblichen Synthese viel Müll schwimmt und viele Taugenichtse, die es fertig bringen, ein Publikum an der Nase herumzuführen, das manchmal unwissend und schuldlos ist, aber meistens unerträgliche Pedanten, die nichts verstehen und nichts wissen.”© José Manuel Merello

“Ich fordere des Recht der bescheidenen Maler. Die Malkunst braucht weniger Zirkus und weniger intellektuellen Anspruch. Sie muss aus der reinen Seele des Menschen spriessen, aus dem hellen und unbeschmutzten Auge des Malers, und wenn es nur für das Malen eines Apfels ist. Darum mag ich Morandi so sehr.”© José Manuel Merello

"Eine gute Zeichnung steht einem guten Gemälde in nichts nach. Und noch mehr: Einem jeden Bild liegt notwendigerweise eine Zeichnung zugrunde, die es trägt, ein Skelett, das es strukturiert und stützt. Alle Bilder, die dieser Grundlage entbehren, brechen in sich zusammen und vergehen. In der Malerei ist eine gute Zeichnung eine Qualitätsgarantie. Die grundlegende Frage ist, was wir unter einer guten Zeichnung verstehen... aber das ist eine andere Geschichte."© José Manuel Merello

"Alle Welt fragt sich, was Kunst ist. Ich glaube, Kunst ist sämtliches menschliches Schaffen, das den Geist auf eine höhere Gefühlsebene anhebt und überrascht."© José Manuel Merello

"...Maler, Schriftsteller, Bildhauer oder Musiker zu sein bedeutet nicht, über irgendeinem anderen Beruf zu stehen. Natürlich gibt es unzählige Tätigkeiten, die, wenn sie bis zur äußersten Perfektion getrieben werden, zweifellos die meisten Kunstwerke übertreffen. Ein wunderbarer Kunsthandwerker, der Manila-Schals herstellt, kann weiter kommen als ein mittelmäßiger Bildhauer. Seine Arbeit kann weitaus hochwertiger sein. Ein großartiger Fußballspieler kann mehr Leidenschaft auslösen als wir, die Maler. "Künstler" zu sein bedeutet nichts. Aber wenn ein Genie geboren wird, wird er bestimmt nur für große Kunst, Wissenschaft, Philosophie oder Politik geboren. Wir können die Sixtinische Kapelle von Michelangelo oder das Newtonsche Gravitationsgesetz nicht mit den besten Fußballtoren der Welt gleich setzen. Große Kunstwerke sind leicht zu erkennen; ihr Licht strahlt auch über die Grenzen der Zeit hinaus."© José Manuel Merello

November 2005

"Die spanische Malerei bewahrt seit Jahrhunderten ihren ruhigen und melancholischen Blick: tragisch, aber niemals gewaltsam. Es gibt keine gewaltsame spanische Malerei. Weder der grimmigste Goya noch der entsetzteste Picasso haben jemals ihre Haltung oder ihre Klasse mit ihren Pinseln verloren."© José Manuel Merello

"Die Kunstgeschichte ist die Geschichte der Gefühle und des Geistes des Menschen. Sie ist eine Aufzählung seiner erhabensten Gefühle, die in Werken, die die Zeit überleben, ihren Niederschlag gefunden haben. Altamira und Lascaux sind primitive Beispiele für das Bestreben des Menschen, seine Gefühle zum Ausdruck zu bringen. Ich glaube nicht, dass es eine Kunstepoche gibt, die bezüglich ihres ursprünglichen Antriebs, ein Gefühl oder eine spirituelle Hingabe zu materialisieren, höherwertiger als eine andere ist. Hingegen bin ich der Ansicht, dass es Etappen in der Kunst gibt, die sich im Zuge der Weiterentwicklung der künstlerischen Techniken von anderen abheben und an Wert gewinnen. So wie der wissenschaftliche Fortschritt stets einer aufsteigenden Linie folgt, schreitet die Kunst, deren Fortschritt von der technologischen Entwicklung abhängt, in einer aufsteigenden, jedoch diskontinuierlichen Linie voran, denn sie hängt zumindest von zwei Parametern ab: von der Technik und der spirituellen Ergriffenheit. Die Kunst ist kein Gefühl. Die Kunst ist dessen Gestaltung, Verkörperung, das mit technischem Geschick gemeißelte, geschriebene, materialisierte Gefühl. Der primitive Mensch verfügte nur über ein paar einfache Werkzeuge, um sich auszudrücken. Deshalb ist seine Kunst schlichter als beispielsweise die barocke Kunst. Das Problem ist, dass Technik und Gefühl sich nicht immer parallel zueinander entwickeln. Vielleicht deswegen können wir auf Kunstepochen stoßen, die trotz einfacherer Techniken einen sehr viel intensiveren und reineren emotionalen und spirituellen Antrieb haben als andere, in denen die Kunst mit mehr Mitteln geschwächt ist, denn die Seele des Menschen ist ranziger, unterdrückter oder sie ist manipuliert. Wenn der Geist des Menschen eine erhabene und freie Zeit durchschreitet und von einer fortgeschrittenen Technologie begleitet wird, dann können wir zweifelsohne vom Goldenen Zeitalter der Kunst sprechen."© José Manuel Merello

Juni 2006

"Weder die Zeichnung wird von der Linie definiert, noch die Malerei von der Farbe. Ein Gemälde kann noch nicht von einem Bildschirm oder einem Foto assimiliert und verstanden werden und diese Tatsache definiert es zum Teil. Hingegen kann die Zeichnung von diesen Medien übermittelt werden und - abgesehen vom Fetischismus - ist es mir gleich, ob ich eine Originalzeichnung von wem auch immer habe, ein Foto oder ein identisches Poster. Es gibt keinen Unterschied, und man kann sich an der Zeichnung genauso erfreuen. Dasselbe geschieht beim Lesen eines guten Buches in der einen oder anderen Ausgabe oder beim zigten Betrachten ein und desselben Fotos. Wenn weder Fetischismus noch Plastizität im Spiel sind, vermitteln all diese Medien uns die Großartigkeit - oder Armseligkeit - des Werks. Aber bei der Malerei sind die Plastizität, die Form, das Morbide, die Opazität oder Transparenz, die glänzende oder matte Oberfläche immer im Spiel. Diese Eigenschaften können unmöglich von einem Computerbildschirm, einem Fernseher oder einem Poster vermittelt werden. Die digitale Welt ruiniert die Künste bei Weitem nicht. Was sie tut, ist, deren Einzigartigkeit hervorzuheben, und die Malerei schießt dabei den Vogel ab, weil es auch heute noch unmöglich ist, Las Meninas ("Die Hoffräulein") auf einer Abbildung vollständig zu genießen, unmöglich die Leere des Raums, in dem Velázquez malte, zu fühlen, unmöglich die perlmuttartige Schale der Bildoberfläche wahrzunehmen, nutzlos sich umzudrehen und sie von der Seite zu betrachten, um die zarten Wülste und Rillen der Malerei des Genies zu spüren. Und erwähnen wir erst gar nicht die Bilder von Tàpies, Lucian Freud oder Jasper Johns...Die Farbe und die Anordnung der Formen können uns vieles andeuten, natürlich, aber sie liegen in der Ferne und reichen nicht aus, um die Plastizität des Bildes auszudrücken. Das ist Malerei."
“Ebenso und aus den genannten Gründen existiert eine Malerei ohne Farbe, nur mit Linien und Plastizität, und es gibt die in alle erdenklichen Farben getränkte Zeichnung ohne Linien. Steht die Zeichnung deshalb hierarchisch unterhalb der Malerei? Nein. Ich glaube, das alles sind keine Hindernisse sondern Fortschritte. Der Computer und die elektronischen Mal- und Zeichenprogramme sind neue Stifte und Pinsel, die zu den bereits bestehenden hinzukommen, und mit denen man arbeiten kann. Sie helfen, sie bieten dem Maler mehr Material, mehr Mittel. Aber Vorsicht! Solange die digitale Plastizität, oder wie immer das heißen mag, nicht erfunden wird, sollte der Verkauf von Gemälden auf Fotos oder unser Besuch eines Online-Museums vergessen werden. Wir können nur eine Vorahnung davon bekommen, eine Annäherung an die Sache, aber das fetischistische Pochen bleibt zusammen mit dem Wissen, dass es sich um ein Einzelstück, das keine Kopie zulässt, im Museum."
“Der Malerei geschieht so etwas Ähnliches wie dem Theater mit dem Film. Der Film ist eine großartige Kunst, ein neues Format, das von den Musen erobert wurde, um den Geist des menschlichen Wesens ins Erhabene zu heben; er ist genauso stark und intensiv wie jede andere große Kunst. Aber trotzdem, was ihn vom Theater und anderen Bühnenkünsten (Tanz, Mimik, Stierkampf usw.) unterscheidet, ist genau das, was das Theater ausmacht: Das Direkte, die Dreidimensionalität, die den Zuschauer in einem einzigartigen Augenblick einhüllt, bei einer einzigartigen, nicht wiederholbaren Vorführung, der genau passende Geruch, der Schrei und der exakte Ausdruck, aber anders bei jeder Vorführung, der direkte Anblick des Schauspielers, der Fetischismus seiner Anwesenheit und die dramatische Präsenz des Gefühls des Dramaturgen... Das alles ähnelt erstaunlicherweise den Lücken eines Bildes, seinem sich ständig ändernden Aussehen, seiner zeitlichen Gebundenheit, denn es wandelt sich, je nachdem, ob es gerade modelliert wird, mit seiner Feuchtigkeit, seinen Rissen, seinem Verbleichen. Das Theater ist lebendig und die Malerei ist lebendig.
Aber heißt das, dass ein Gemälde höherwertiger als die Kunst der Fotografie oder ein Poster oder eine gute Zeichnung ist? Und steht deshalb das Theater über dem Film? Ich glaube, das ist gewiss nicht der Fall. Der Film ist in der Lage, uns über Wege zu führen, die für das Theater bisher unbegehbar waren, und eine digitale Zeichnung oder eine Fotografie erschaffen Spiele und Ausdrucksweisen, zu denen die Malerei nicht in der Lage ist. Andererseits besitzen das Theater und die Malerei diesen Zauber des Direkten, des glorreichen Augenblicks, so wie der Zauber des Sängers, der für dich, und nur für dich singt. Das ist vermutlich nicht höherwertiger, aber... was für ein Luxus!“© José Manuel Merello

Juli 2006

"Aus technischer Sicht ist es möglich, schlecht zu malen oder zu zeichnen, wenn man es nicht besser kann, aber das schlecht Gemachte muss perfekt schlecht gemacht sein. So wird immer ein gutes Ergebnis dabei herauskommen." (Sommer 2004) © José Manuel Merello

OKTOBER 2008

DAS GEHEIME LEBEN DER MALEREI

Das Malen ist ein Geisteszustand, "ein Seelenzustand", wie Joaquín Sorolla sagte. Ein Maler, der aus seiner Arbeit einen Lebensstil macht, malt den ganzen Tag lang, jeden Tag. Er malt sogar, wenn er nicht malt. Wenn er schläft, malt er. Wenn er wacht, malt er. Das Geschenk, ein Maler zu sein, birgt das Gift und die süße Last der vollständigen Widmung und Auslieferung. Malen ist schwer und erfordert die absolute Aufmerksamkeit des Verstandes und der Hand in kühler, schweigsamer und konstanter Beobachtung. Man muss enorme Mengen an Kombinationen aus Farben, Räumen und Linien im Gedächtnis haben. Es ist unverzichtbar, sich mit unzähligen technischen Mitteln auszustatten, die Materialien genau zu kennen und alles lebendig und auf dem Laufenden zu halten, damit man zu dem Zeitpunkt, an dem man es am wenigsten erwartet, verwenden kann. Aber auch, wenn alles gut geschmiert und auf dem neuesten Stand ist, besteht dennoch das enorme Risiko nicht zeitig aufhören zu können.  Der kritischste Augenblick für einen Maler ist, wenn er entscheiden muss, wann der Zeitpunkt gekommen ist, ein Bild für beendet anzusehen.

Bei der Malerei neigt man eher zur Über- als zur Untertreibung. Deshalb ist für mich nichts faszinierender, als die schweigsame, stille und ruhige Arbeit, bei der ich darauf warte, dass das Bild zu mir spricht und sich selbst zu Ende malt. Dieser köstliche Augenblick kann an dem unerwartesteten Ort aufkommen und zu der ungeeignetesten Zeit. Er erfordert Wachsamkeit und die Fähigkeit, ihn im Flug einzufangen. Seit jeher habe ich die Angewohnheit, viele Stunden mit dem Malen ohne zu malen zu verbringen. Ich betrachte nur meine Bilder, die überall hängen und stehen, oder ich erinnere mich an sie, erlebe sie, während ich über die Straße oder irgendwo anders her bummele: Ich versuche, ihnen zu begegnen und ihnen mit frischem Verstand zuzuhören - kühl, manchmal sogar abschätzig - ganz so, als wären sie nicht meine, sondern als stammten von einem Feind. Wie ein Wunder keimt aus dieser Distanzierung das eigene geheime Leben des Gemäldes hervor, das allein entscheidet, dass es jetzt fertig ist und  sich selbst genügt, um sich zu erklären. Wenn ein Bild mich bedrückt und das Gespräch mit seiner Welt zum Kampf wird, dann lasse ich es allein, abgelegt in einer Ecke und nach einiger Zeit - Tagen, Monaten oder sogar Jahren - wenn ich es endlich wieder hervorhole, stelle ich bewegt fest, wie die Strafe manchmal zur Verzeihung wird und wie ich plötzlich erstaunt das Werk entdecke, das in seiner Einsamkeit wusste, sich selbst zu beenden. In diesem Moment gebe ich demütig zu, dass das Bild nicht mehr mir gehört. Das ist Teil der Magie der Kunst des Malens.

Vielleicht ist es die Inspiration. Das Licht, das sich hinter einem geistigen Prozess verbirgt - eine ungeschriebene Gleichung aus hunderten von Parametern - die sich beim Warten häufig von selbst löst. Wer weiß, ob eines Tages die Wissenschaft deren DNA, die unter dem Zauber der Kunst schlägt, zu fassen bekommt. © José Manuel Merello

 

NOVEMBER 2009

LEBENDIGE NATUR

Für einen Maler wie mich, der besessen von der Komposition und der Struktur seiner Bilder ist, funktioniert alles in der Malerei wie ein Stillleben. Die wahre Herausforderung eines jeden Bildes besteht darin, dass es aus all seinen Einzelteilen heraus "arbeitet"; dass jedes Bestandteil mit dem anderen verzahnt ist und mit seinen Nachbarn gemeinsam "atmet", ja sogar komplexe Verbindungen mit vom Bild entfernten Bereichen herstellt, beispielsweise mit den komplexen neuronalen Netzen in kontinuierlichen Synapsen. Diese verborgene Verflechtung erreicht, dass augenscheinlich schlecht gemachte Bilder ein Geheimnis in sich bergen, das über uns hinauswächst, einen eigenwilligen Rhythmus, von dem wir nicht wissen, woher er stammt, der uns aber darauf hinweist, dass Kunst in den ungeschickten oder "hässlichen" Nähten des Gemäldes steckt. Viele dieser schlecht gemachten, hässlichen Bilder sind von innen her bewundernswert koordiniert. Wo immer wir sie auch zerschneiden, sie retten sich als Malerei und regenerieren sich selbst wie der Schwanz einer Eidechse. Deshalb bin ich von fast allen künstlerischen Strömungen begeistert, und ich unterscheide auch nicht zwischen Themen oder Genres in der Malerei. Alle funktionieren gleich. Alle sind letzten Endes ein Stillleben, eine lebendige Natur - niemals tot - in dem wir die Bestandteile anordnen, bis sie einen dynamischen Raum bilden, die der Betrachter mit seinen Augen und seiner sensiblen Beobachtung aktiviert und atmen lässt. Eine Landschaft ist ein Stillleben. Die Sonne, die Wolken und die weiten Felder verteilen sich und nähren sich untereinander, so wie es die Schale mit den Früchten in ihr und der Tisch, auf dem sie steht, tun. Sogar ein Porträt, wenn es gut ist, richtet sich nach diesen verborgenen Gegengewichten, die ihm das Leben schenken. Man kann sogar sagen, dass Las Meninas von Velázquez ein außergewöhnliches Stillleben sei - ätherisch und leicht in seinem Himmel, dicht und schwer in seiner Menschlichkeit - mit tiefen, prächtigen Räumen, die miteinander kommunizieren und den Kompositionsregeln des Stillleben-Genres entsprechen. Ein zufälliger Schnitt durch den Himmel von Las Meninas enthält dessen vollständige Kunst, bewahrt die Energie und den Rhythmus des Genies, sein unvergleichliches Schaffen, seine eingefangene Luft; eine einzige transparente Haarsträhne der Königstochter Margarita ist die Welt wert, eine Welt, die in perfekter plastischer Synchronie, zum Beispiel mit dem dichten klebrigen Fell des großen Dänen, der im Bild sitzt, spricht. Hier ist alles in jedem einzelnen Bestandteil enthalten, und wie in den Skapulieren und Reliquien der Heiligen strömt aus einem winzigen Stück die gesamte Anmut, all seine wundersame Kraft.

Ein eindeutiges Anzeichen für einen Fehler im Gemälde ist die erstickende Aufgedunsenheit zwischen seinen Teilen. Wenn es kein Aufatmen zwischen seinen Fragmenten gibt, kann es niemals funktionieren. Es kann das Auge nicht davon überzeugen, zwischen den verschiedenen Geschichten und Handlungen, die es verbirgt, zu reisen. Die Lähmung und Ermüdung des Auges ist der Tod eines jeden Gemäldes. Da ich mir darüber im Klaren bin, breite ich beim Malen stets all meine Sachen wie in einem Stillleben um mich herum aus und arbeite mit allem, aber liebevoll und behutsam am Kleinen, an der unmerklichen Linienführung, an dem kleinen lebendigen Riss, der den Weg des zarten, herunterrinnenden Tropfens wie eine Träne umleitet, und ich zeichne präzise die Orographie der Bildoberfläche. Das mache ich so, weil ich weiß, dass diese kleinen Welten beim Betrachter ein Gefühl für die Plastik aktivieren und das Bild zu funktionieren beginnt. Davon ausgehend wird seine ganze Maschinerie in Gang gesetzt. Für seine Existenz kann ein Bild sich nicht mehr wünschen, als von der fließenden und aufmerksamen Betrachtung des vorurteilslosen Beobachters aktiviert und initiiert zu werden. Der Rest funktioniert dank des Zaubers der Kunst ganz von allein.© José Manuel Merello

 

OKTOBER 2011

Van Gogh, Leonardo da Vinci, Mozart und Marylin. Überschneidungen.

Noch mehr Unsinn. Jetzt ist Van Gogh an der Reihe. Kürzlich wurde ein neues Buch veröffentlicht, das Vermutungen über seine letzten Lebenstage anstellt, ob er Selbstmord begangen oder ob er zufälligerweise ermordet worden sei. Ich habe das Buch nicht gelesen, aber einige Zitate. Zum Beispiel das, in dem der in seinem Bett verblutende Vincent gefragt wird, ob er sich hatte umbringen wollen, worauf dieser erwiderte: „Ich glaube ja.“ Da haben wir´s! Das heißt, es muss wieder ein Buch geschrieben werden, denn eine solche Antwort könnte darauf hinweisen, dass nicht er auf den Abzug gedrückt hat, sondern dass er letztlich „geselbstmordet “wurde.

Dieser Unsinn und sonstiger, der in dem Buch zitiert wird, rechtfertigt schamlos das Aufwerfen einer neuen Intrige, die bestimmt viel Geld einbringt - denn später wird sie verfilmt, wartet nur ab. Es scheint egal zu sein, respektlos in einem Leben herumzuwühlen, das alles für nichts gegeben hat. Widerlich ist dieses Gefallen an dem, was hätte sein können, und zwar auf Kosten aller möglicher Albernheiten, die eine Legende ausnutzen, um ein Rätsel zu konstruieren, das noch für lange Zeit ein krankhaftes Interesse weckt, mit dem ein Haufen Geld gemacht werden kann. Für mich ist das eine empörende Respektlosigkeit gegenüber dem großzügigen Genie.

Dasselbe passiert mit der Mona Lisa von Leonardo. Mal schauen, was wir uns jetzt ausdenken können oder was wir unter dem Vermächtnis, dem schweren und überhaupt nicht rätselhaften Lächeln der Dame entdecken können. „Sieh her, ich glaube, diese Haarsträhne hat die Form des Kreuzes einer merkwürdigen Sekte und die Verbindung zwischen den Punkten, die ich zu sehen glaube, ist der Hinweis auf ein mächtiges Geheimnis, das darauf hindeutet, dass Leonardo von der Existenz der Neutrinos wusste.“ Und so geht es immer weiter, ein Unsinn nach dem anderen. Es ist völlig unwichtig, dass La Gioconda ein mittelmäßiges Bild ist (abgesehen von der innovativen Anwendung des „Sfumato“) - ja, mittelmäßig. In seinem historischen Kontext, und so weiter und so fort, hatte es wahrscheinlich was, aber aus plastischer Sicht kommt es nicht weit. Aber das ist ja auch völlig unwichtig. Es wurde erreicht, dass es infolge von Geschwätz und Lügen zu einem Symbol geworden ist. Und ab diesem Augenblick wächst das Interesse daran, das nichts mit seiner tatsächlichen Qualität zu tun hat. So wie das Bild von Marylin in der Pop Art. Sonst nichts. Arme Marylin! Wie viele Leute bereichern sich noch immer an ihrem Abbild und ihrem Tod. Ich bin mir sicher, dass Da Vinci das alles sehr Leid getan hätte. Sehr Leid.

Und Mozart Er und sein Tod. Salieri und Mozart verwickelt in ein Gestrüpp, das das Bild von diesem großartigen Mann für immer verunstaltet und ihn wie einen zurückgebliebenen Clown durch den Schmutz zieht. Das in dem andererseits hervorragenden Film „Amadeus “von Milos Forman. Es ist immer dasselbe: Intrigieren oder Kunst auf Kosten von was auch immer. Treffe es, wen es treffe. Ich habe immer gesagt, Kunst verstünde nichts von Moral. Aber das gibt uns nicht das Recht, Hunde zu kreuzigen und auch nicht, Intrigen und Mutmaßungen anzustellen über Menschen, die unseren Geist erhöht und ihr Leben dafür gegeben haben.

Es stimmt mich sehr traurig, dass man nicht aufhört, Ohren, Knochen, das Elend und die Intimsphäre dieser Märtyrer der Kunst aufzuwühlen.

Lasst sie in Ruhe! © José Manuel Merello

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