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 pintura moderna. pintura española contemporanea 2013.
- Jose Manuel Merello.  Pintura Española Moderna. Pintores de España.-
Expresionismo. Pintores Artistas Actuales. Artistas Contemporáneos Expresionistas. Luz del Mediterráneo. Pintura Moderna Española. Retrato Español Contemporáneo.
"La Historia del Arte es la historia emocional y espiritual del hombre. Es un recuento de sus sentimientos más sublimes materializados en creaciones que traspasan el tiempo. Altamira y Lascaux son ejemplos primitivos de este afán del hombre por expresar sus emociones. Yo no creo que haya ninguna época artística superior a otra en cuanto al impulso inicial de dejar constancia material de una emoción o un placer espiritual; en cambio si creo que hay etapas del arte que son superiores unas de otras a partir del momento en que el ser humano progresa en su técnica. Así como el progreso científico va en línea siempre ascendente, el progreso artístico, que necesita de la tecnología para poder avanzar, crece en una línea ascendente aunque discontinua porque depende de al menos dos parámetros para ello: la técnica y la emoción espiritual. El arte no es un sentimiento; el arte es su plasmación, la encarnación, el sentimiento esculpido, escrito, materializado,  mediante la habilidad técnica. El hombre primitivo no tenía más que unas mínimas herramientas para expresarse y por eso su arte es más básico que, por ejemplo, el Arte Barroco. El problema radica en que técnica y emoción no crecen siempre paralelas y quizás así, a veces, podamos encontrar etapas del arte que con una técnica inferior poseen un impulso emotivo y espiritual mucho más intenso y puro que otras, donde con más medios, el arte se debilita porque el alma del hombre está más enranciada, reprimida o manipulada.  Si el espíritu del hombre pasa por una época sublime y libre, y le acompaña una tecnología superior, entonces estaremos hablando sin ninguna duda de una Edad de Oro del Arte."   José Manuel Merello.
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PENSAMIENTOS DE UN PINTOR

“Yo reivindico a los pintores humildes. La pintura no necesita tanto circo ni tanta pretensión intelectual.. Ella debe brotar del alma limpia del hombre, del ojo claro y puro del pintor, aunque sea para pintar una simple manzana. Por eso me gusta tanto Morandi”

                                                                           
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MERELLO


Arte Moderno y Contemporáneo Español. Pintores de España.

 Pintura Española Moderna. Pintura Expresionista.


Arte Pintura Moderna Española. Retrato Español Contemporáneo.-Merello -Caballos del Sol (73x92 cm) Mixta-Lienzo.

 PINTURA ESPAÑOLA

Arte Pintura Contemporánea.
Merello -Caballos del Sol (73x92 cm) Mixta-Lienzo.

   
         José Manuel Merello
 
 
     
Pintura Moderna Española. Merello.-Paisaje de la Energía (97x162 cm) mixta-lienzo. Pintura Moderna Española. Retrato Español Contemporáneo.    Merello.- Mujer y Florero. El Sueño (81x100 cm) mixta-lienzo. Pintura Moderna Española. Retrato Español Contemporáneo.
Pintura Contemporánea. Merello.- "Paisaje de la Energía" (97x162 cm) mixta-lienzo.
Arte Pintura Moderna Española.
  Pintura Contemporánea . Merello.- "Mujer y Florero. El Sueño" (81x100 cm) mixta-lienzo
Arte Pintura Moderna Española. Retrato Español Contemporáneo
     
Pintura Moderna Española. Retrato Español Contemporáneo.-Merello - Mujer en la Noche (81x130 cm) Mixta-Lienzo.   Arte Pintura Moderna Española. Retrato Español Contemporáneo.-Merello -Bodegón con tetera y florero (81x130 cm) Mixta-Lienzo. Pintura Moderna Española. Retrato Español Contemporáneo.
Arte Pintura Moderna Española. Retrato Español Contemporáneo-Merello - Mujer en la Noche (81x130 cm) Mixta-Lienzo.   Arte Pintura Moderna Española.-Merello -Bodegón con tetera y florero (81x130 cm) Mixta-Lienzo.
 
Pintura Moderna Española. Retrato Español Contemporáneo.
Arte Pintura Contemporánea Española. Retrato Español Contemporáneo. Merello.  EL Sastre de Van Gogh. (92x73 cm)
     
     
Pintura Moderna Española. Retrato Español Contemporáneo. Tauromaquia.

PINTURA ESPAÑOLA

Merello. Torero Azul.-Oleo.

  Pintura Moderna Española. Retrato Español Contemporáneo.

PINTURA ESPAÑOLA

Merello. El Niño Feliz.- Oleo

.

Merello.-bodegon eléctrico (81x130cm) mixta-lienzo

SPANISH ART. MODERN ART. CURRENT PAINTING.

NEW ARTISTS FROM SPAIN. CONTEMPORARY LANDSCAPES AND MODERN STILL LIFES.

PINTURA ESPAÑOLA


 
20 MINUTOS DE VIDEO CON PINTURAS DE JOSÉ MANUEL MERELLO Y MÚSICA DE GUITARRA ESPAÑOLA.


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Pintura Moderna Española. Retrato Español Contemporáneo.
Merello.- Pintura Moderna Española. El saludo del jinete español.
92x73cm.

 


Pintura Moderna Española. Retrato Español Contemporáneo.
Merello.- Pintura Moderna Española. El Niño Leñador.
92x73cm.

 

Ultima actualización  → martes, 17 de septiembre de 2013

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 © José Manuel Merello Arvilla.- (2003)

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Expresionismo. Arte Moderno y Contemporáneo. Pintura Moderna Expresionista.
Pintura Contemporánea Española. Artistas Contemporáneos. Expresionistas Modernos.

 


Pensamientos de un pintor

Octubre 2005

    "Un buen dibujo no desmerece en nada a una buena pintura. Es más, bajo todo cuadro subyace necesariamente  un dibujo que lo sustenta, un esqueleto que lo arma y lo vertebra. Todos los cuadros que carecen de esta base se desmoronan y resultan flácidos. Una garantía de calidad en pintura es un buen dibujo. La cuestión fundamental es qué cosa entendemos por un buen dibujo...pero esto es otra historia"

"Todo el mundo se pregunta qué cosa es el arte. Yo pienso que el arte es toda aquella creación humana que consigue elevar el espíritu a un plano superior de emoción y sobrecogimiento."

"...ser pintor, escritor, escultor o músico no otorga ningún rango por encima de cualquier otra profesión. Existen, por supuesto, infinidad de dedicaciones y labores que llevadas al extremo de su perfección superan indudablemente a la mayoría de las obras de los que se dedican al arte. Un maravilloso artesano creador de mantones de Manila puede llegar más lejos que un mediocre escultor, su trabajo puede ser muy superior. O un gran futbolista puede provocar mayores pasiones que la mayoría de nosotros, los pintores. Ser "artista" no es un seguro de nada. Pero si nace un genio seguro que solo nace para las grandes artes además de para la ciencia, la filosofía o la política. No podemos comparar la Capilla Sixtina de Miguel Angel o la Ley de la Gravitación Universal de Newton  con el mejor de los goles del mundo. El Arte con mayúsculas es fácil de detectar; su luz continúa brillando a través del tiempo."

Abril 2006

"La enfermedad visual de Domenico."

"Siempre se ha dicho que El Greco tenía una enfermedad en la vista y que por eso pintaba las figuras alargadas. Yo creo que esto es falso y ridículo. Es muy fácil deducir que si yo veo una manzana y tengo una enfermedad visual que me hace percibirla alargada, de la misma manera la proyectaría alargada en el cuadro y un espectador con la vista sana la "desproyectaría" a su vez y la percibiría en su tamaño real. Si no, si El Greco pintase, como dicen, la manzana más alargada, su visión enferma la alargaría aún más al verla en el cuadro ya terminada, y, suponiendo que no era precisamente tonto, trataría de corregirla con lo cual su manzana alargada volvería a ser normal para cualquier espectador, incluido él mismo.
De igual manera, si yo confundo los colores en mi paleta y veo el rojo verde y el verde rojo, y quiero pintar un prado verde con una amapola roja, como resulta que tengo la vista equivocada me parecerá de un esplendido rojo el prado y verde su amapola, de forma que iré a buscar en mi paleta ese rojo, y, nuevamente, por mi enfermedad, me equivocaré y me parecerá que la pintura verde es de un rojo espléndido para el prado y así, inevitablemente, el cuadro acabará teniendo los colores correctos para cualquier espectador de vista normal.
El Greco poseía una maravillosa creatividad adelantadísima en el tiempo y un sentimiento ascético muy marcado que lo llevó a pintar esas formas alargadas para potenciar un sentimiento espiritual ascendente en el espectador, como ocurre con las catedrales góticas. Todas sus composiciones (salvo algunas, y en su descargo) las pinta en cuadros alargados, y no me lo imagino encargando un lienzo y un bastidor de tal o cual tamaño y protestando al pobre tendero toledano que porqué narices son tan chatos últimamente los bastidores de dos metros. En fin, espero que en un futuro no se diga que Picasso tenía una enfermedad visual que le hacía ver un ojo por aquí y el otro por allá, pero no las tengo todas conmigo."

 

Junio 2006

"El dibujo no queda definido por la línea, ni la pintura queda definida por el color. La pintura todavía se salva, y esto es en parte lo que la define actualmente, de poder ser asimilada y comprendida a través de un monitor o una fotografía. En cambio el dibujo sí que es asimilable por estos medios; a mí, fetichismos aparte, me da igual tener un dibujo original de quien sea que una fotografía o un póster idéntico de él. Es la misma cosa y el dibujo se puede disfrutar idénticamente, al igual que pasa con leer un buen libro en una edición u otra, o ver la misma fotografía revelada por segunda o décima vez. Cuando no está en juego ni el fetichismo ni la plasticidad, todos estos soportes nos llevan a la grandeza -o miseria- de la obra. Pero en pintura siempre está en juego la plasticidad, lo plástico, lo mórbido, la opacidad o la transparencia, la superficie brillante o mate...cualidades estas imposibles de transmitir mediante un monitor de ordenador, un televisor, o un póster. Lo digital, lejos de arruinar las artes, lo que hace es evidenciar lo que de singular tienen estas, y la pintura se lleva la palma porque hoy por hoy es imposible disfrutar completamente de Las Meninas en una imagen, imposible sentir la poderosa sensación de vacío de la estancia donde pinta Velázquez, imposible percibir la cáscara nacarada de la capa pictórica del cuadro, inútil girarse y verla de lado para poder sentir las delicadas protuberancias y estrías de la pintura del genio. Y no digamos nada de cuadros de Tàpies, o de Lucian Freud, o de Jasper Johns...El color y la disposición de las formas nos pueden sugerir mucho, desdeluego, pero se quedan lejos, no bastan para expresar la plasticidad del cuadro. Esto es la Pintura."
De la misma manera y por todo esto, existe la pintura sin color y de solamente línea y plasticidad, y existe el dibujo con toda la saturación imaginable del color y sin líneas. ¿Es entonces peor en jerarquía el dibujo que la pintura? No. Yo pienso que nada es un estorbo y que todo son avances. El ordenador y los programas informáticos de pintura y dibujo son nuevos lápices y pinceles que añadir a los ya existentes para poder trabajar. Ayudan, son más material, más medios para el pintor. Pero ojo, mientras no se invente la plasticidad digital, o como se fuera a llamar, que se olviden de querer vender cuadros mediante fotografías y que se olviden de que queramos visitar un museo online. Podemos llevarnos una idea tan solo, una aproximación del asunto, pero el latido fetichista se queda en el museo junto con el pálpito de lo que es único y no admite copia."
A la pintura le ocurre algo similar que al teatro con el cine. El cine es un arte con mayúsculas, un nuevo formato conquistado por las musas para llevar el espíritu del ser humano hasta lo sublime; es tan fuerte e intenso como cualquiera de las grandes artes. Pero aún siendo así, lo que lo diferencia del teatro y de las artes escénicas (danza, mímica, toreo etc) es ese algo que precisamente define al teatro: Lo directo, la tridimensionalidad que envuelve al espectador en un momento único, en una actuación única, irrepetible, el olor preciso, el grito y la modulación exacta pero diferente en cada escenificación, la visión real del actor, el fetichismo de su presencia y de la presencia dramática del sentimiento del dramaturgo...todo es asombrosamente parecido a los huecos de una pintura, a su aparición diferente en cada instante, a su dependencia del tiempo siendo distinta según éste la va modelando con sus humedades, sus grietas, sus decoloraciones. El teatro está vivo y la pintura está viva.
Pero ¿significa esto que un cuadro es superior al arte fotográfico o a un póster de un buen dibujo? y, ¿es superior por lo mismo el teatro al cine? Yo pienso que quizás no lo sean, pero si el cine es capaz de llevarnos por caminos imposibles hasta ahora para el teatro, y un dibujo digital o una fotografía son capaces de juegos y expresiones que la pintura no puede, en cambio, el teatro y la pintura poseen ese embrujo de lo directo, del instante glorioso, como el embrujo del cantaor que te canta a ti y solo a ti. Y eso quizás no sea superior pero...¡qué lujo!

Octubre 2006

Sorolla. Fulgor y Teología del Blanco.

Hoy día parece poco moderno hablar de Joaquín Sorolla, el gran pintor valenciano, pero yo siempre me he resistido a ver en él a un pintor anticuado, impresionista, luminista y poco más. Nada más lejos; Sorolla es uno de los grandes, un titán, un coloso de la pintura. Yo tal vez no lo equipararía a un Velázquez ni a un Picasso, que eso sería muy atrevido, pero sí que lo veo a la altura de un Cezanne o de un Manet. Bien es cierto que la obra del valenciano es muy desigual en cuanto a calidad y está pagando desde hace décadas por esta discontinuidad de tal manera que muy poca gente sabe rescatar de entre su pintura aquellos lienzos que lo catapultan hacia el Olimpo: los lienzos blancos de Sorolla. No sé si alguna vez se han llamado de esta manera, ni siquiera si es del todo exacto, pero yo lo siento así. Los críticos de su arte, los que le denigran y le condenan lo hacen sobre la base de un supuesto "colorido" fallero y de pastelería que en verdad no existe en su pintura. Toda la vida me la he pasado yendo a su casa museo, en la calle Martínez Campos de Madrid. He ido desde pequeño, una y otra vez, y siempre salía espoleado por el poderoso y abrumador dominio no solo del dibujo y de la factura, de la gracia y el talento, sino sobretodo por la categoría y la clase de su color y en concreto de las sutilísimas armonías de los blancos; maravillosas modulaciones imposibles de encontrar en casi ningún pintor. Sorolla no es colorista. Basta con acercarse a su museo para ver como el color desaparece y todo se asienta sobre unos pardos y grises delicadísimos que se encienden y se colorean de forma magistral por la presencia exacta y mítica del blanco. Cualquier pintor conoce la extrema dificultad del manejo de este color, un color que aprendemos que es la suma de todos los colores, un color que vuelve harinoso por mezcla a cualquier otro, un color incómodo, que no admite errores, que realza cualquier desacierto en el resto, un color que se ensucia a la mínima porque se mueve en una estrechísima franja tonal, que obliga a retirar del cuadro toda nota excesiva...¡Ah!, pero qué manejo y qué dominio el del español con este color terrible, qué brutal control. En él los blancos siempre son blancos y aquí radica la dificultad, el blanco es absolutamente blanco -aun sin serlo, porque efectivamente son grises- tanto en las sombras como en las luces más acusadas: siempre el blanco, el fulgor del blanco. No sé de pintor alguno que domine este arte de igual manera que él, el arte del blanco. Todos los impresionistas, todo el barroco, todo el fauvismo, todo el naturalismo que conozco nunca supo controlar estas modulaciones hasta el grado en que lo consiguió Sorolla. Si alguien quiere saber del blanco, si se quiere entender el funcionamiento de este color escurridizo, si tan solo quiere darse un pelotazo de blanco, entonces que vaya a ver a Sorolla. Pero hay más, los blancos de Sorolla son de una modernidad pasmosa, están secando con una riqueza y una costra en su capa que van a llevar en volandas la obra del maestro a lo más alto de la modernidad. Qué pena que nos quedemos observando solo su discurso del mar, su tan cacareado costumbrismo, la pesada conferencia que nos llevan imponiendo sobre su luminismo, su levantismo, su regionalismo. Sorolla está mucho más lejos que todo eso, a medida que avanzaba su carrera fue imponiendo mayores masas blancas en sus pinturas, quitando mar, quitando sol -es un decir-, y poniendo blanco. En el final de su vida pintó prodigiosos lienzos -que aparte de ser lecciones magistrales de dibujo, retrato, paisaje y técnica- son autenticas sinfonías casi abstractas de blancos y verdes, de blancos y malvas. Los cuadros de jardines que podemos ver en su casa son insuperables; aquí compiten los blancos de cal y sal, con los blancos nacarados refinadísimos de Velázquez y aquellos otros blancos contemporáneos, rupestres y de arpillera, del gran Manolo Millares.
No conozco el enorme cuadro "Cosiendo la vela" pero me atrevo a pensar que es el mayor homenaje que pintor alguno ha hecho sobre este color: una vasta extensión blanca que ocupa casi todo el cuadro, una enmarañada vela blanquísima desparramada de tal manera que aun sin verlo me atrevo a decir que es la teología del blanco.
Que nadie vaya buscando originalidad en Sorolla, ni tampoco conceptos atrevidos, ni innovaciones para la Historia del Arte. No, nada de esto encontrará. Tan solo verá el fulgor total del blanco.

FEBRERO 2011

Huracanes, calle, presión y dibujo trivial consciente. El Gran Secreto.

  "El Gran Secreto...Si no fuese por todo lo que he dibujado al aire libre, en los parques, calles y playas, cara a cara frente al mundo, hubiese sido imposible adquirir toda la iconografía  y toda la información de la que dispongo para poder luego pintar. Cuando trabajo en la soledad del estudio, mis cuadros, desbordantes de color, acudo a la memoria de lo visto y dibujado en carne viva. No basta con salir fuera y mirar, -que también es fundamental- sino que hay que salir y dibujar. Es decir, trabajar la mano, el ojo y la mente con el lápiz y los colores allí mismo, inmerso en el mundo de lo real, atento y vigilante. En ese estado, rodeado de gente culta e ignorante, de ricos y pobres, de aduladores, avasalladores e impertinentes; envuelto entre niños  y abuelos, entre mujeres bellísimas y otras que no lo son tanto; rodeado de perros y gatos, de nubes, estrellas  y crepúsculos, árboles, flores, mar y vida abundante, uno se encuentra presionado y exigido de manera que la mente entra en estado de máxima alerta y concentración entrenándose de la manera más  eficaz posible, para luego servirse de ella, generosa, en el estudio. No solo de los recuerdos me sirvo, no, sobretodo de ese estado de atención plena (mindfulness) que te devuelve información grabada a fuego. La tranquilidad del estudio debe ser el último paso. Nunca el primero. Manipulando  una frase de García Lorca aquí se puede decir, en cierto modo, "que lo primero es ser hombre y lo segundo poeta". También Picasso dijo en una ocasión que "con los pintores habría que hacer como con los jilgueros, que les sacan los ojos para que canten mejor". Es una boutade salvaje, obviamente, pero con un profundo significado sobre la pereza y el conformismo creativo sin pasar primero por el látigo del dibujo y la observación bajo presión. En el mundo cómodo y dormido que vivimos en occidente a veces es obligado provocarse este látigo limpio (no se trata de masoquismo alguno), como hizo Turner al obligarse a vivir la furia de una  tormenta en el mar atado al mástil de un navío y poder luego pintar, con pleno derecho y máximo conocimiento, sus famosos cuadros de tormentas y huracanes.
  Provocar estas situaciones es una gimnasia necesaria para la mente de un pintor. En un documental sobre la película "Chico y Rita" de Trueba y Mariscal, me llamó la atención un dato que quizá pasara desapercibido para muchos. En un momento dado Fernando Trueba muestra los dibujos hechos del natural por el gran Javier Mariscal en La Habana y Nueva York años atrás. Fue solo un segundo y puedo estar muy equivocado, siendo la actitud y la finalidad de Mariscal con estos dibujos otra muy diferente (lo considero un gran artista, vaya por delante). Pero algunos de estos trabajos -los que me llamaron poderosamente la atención- me parecieron dibujos sin valor aparente, dibujos de alumno primerizo de arquitectura, descriptivos, torpes, sin la gracia y el arte de Mariscal -que dibuja como quiere-. Lo extraordinario, pienso, y lo que los hace tan interesantes es que estos dibujos son fruto de la asimilación de lo que el pintor está viendo: Mariscal está grabando información en su mente, no está pretendiendo hacer arte. Está, lisa y llanamente, trabajando bajo las bombas. Necesita "dibujarse" el objeto, edificio, persona, allí donde está para apoderarse de él. Con esa información, con ese músculo de lo visto y aprehendido en sus detalles puede posteriormente revivir La Habana y Nueva York en el estudio y manipularla distorsionándola a su antojo, pero solo porque su mano la conoce in situ y su ojo la ha vivido entre los alientos, calores, fríos, gritos e impertinencias, susurros, cambios de luz, de lo directo. De lo vivo. Y así es, ha vivido la cosa y el entorno de la cosa inmerso en ellas y con el lápiz. No importa la obra, es solo dibujar para "tomar nota", tomar conciencia plena, olvidándose de todo resultado. Inteligente pintor que sabe que hasta lo más conceptual y moderno tiene que ser primero despellejado allí donde se encuentre. Avasallado, destripado y asumido en su realidad. Tomado posesión de ello mediante el dibujo trivial consciente.
  Por todo esto y por mucho mucho más yo siempre he necesitado dibujar personajes y paisajes en los lugares más llenos de vida. Aunque solo sea para ver y observar bajo presión, atento al asunto pero indiferente al resultado. Si se está plenamente atento se aprende más de lo malo que de lo bien hecho, se aprende más de los errores que de los aciertos. Esto solo es posible dibujando libre y de incógnito por el mundo. Es obvio que cada día me cuesta más, que algún día no podré permitírmelo porque dibujar niños, mujeres y personajes de todo tipo y condición, bajo una presión semejante, me provoca una ansiedad que ya no domino. Pero no importará. Ya soy orgulloso poseedor de mucho músculo acumulado, muchos gigas de información almacenada, atado al mástil, como Turner...mucho dibujo bueno, malo y trivial que se grabaron a fuego lento durante años otorgándome un equipaje mental que no tiene precio."
                                                                                       José Manuel Merello

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