PINTORES ESPAÑOLES, 2019. Técnica, Luz y Color. Siglo XXI. Arte Contemporáneo. Pintura española contemporánea y actual. Artistas españoles modernos y contemporáneos. Cuadros de ARTE ACTUAL. Pintores contemporaneos. Paisajistas. Arte Mediterráneo.

Merello Artist Painter.-2012, José Manuel Merello Painter.- Merello Artist from Spain. MERELLO ARTISTA PINTOR.

Merello Artist Painter.-2012, José Manuel Merello Painter.
Merello Artist from Spain. FAUVISME.
MERELLO ARTISTA PINTOR ESPAÑOL

El genio. Lo sublime, la cota más alta donde se pueda llegar. Como dijo Francisco Calvo Serraller, se podrá ir en diferentes direcciones en arte, pero nunca tan lejos como llegó Velázquez (o algo por el estilo). Velázquez es infinito, sus virtudes y su arte nunca se acaban; las miradas de sus retratados, intensas, inundadas de siglos de melancolía española. Sus enanos y parias con el mismo porte que el Rey, la misma dignidad, el mismo silencio. Sus mujeres, sanas y generosas, desbordando gracia y capricho con sus lacitos de nácar. Los animales, caballos y perros, extraordinarios y poderosos, de pupila sevillana y pelaje untuoso, siempre dispuestos a la voz de su amo. Las manos del Cristo crucificado...increíbles, incomprensibles en su finura y clase, los dedos largos y delicados, perfectos...leer más

Yo descubrí a Frida Kahlo en la casa de un marchante de arte en Madrid, hace muchos años, cuando todavía no era el mito en el que se ha convertido hoy, al menos en España. Recuerdo cómo asomaba de entre cuadros de Miró, Leger, El Greco, Fortuny y un larguísimo etcétera, un extraño retrato, una cabeza de mujer muy especial, una mujer seria, ... leer más

Morandi es pintura sin más nada. No hay literatura en sus cuadros, ni historias, ni demostración de nada, ni dramas, ni distracciones, ni detalles, ni florituras...no hay juegos, no hay lucimiento alguno, tan solo pintura en estado puro, virginal, como bajada del cielo. Sus cacharros y vasijas, leer más

Negro. Linaza y negro. Esto es José Gutiérrez Solana. Un profundo olor a huesos, a tuétano caliente de la España negra, a toro ciego. Solana, grandísimo pintor donde los haya, el mejor heredero de Goya y del primer Van Gogh, el más implacable, el más grueso y pastoso, el menos tibio....leer más

"Un buen dibujo no desmerece en nada a una buena pintura. Es más, bajo todo cuadro subyace necesariamente un dibujo que lo sustenta, un esqueleto que lo arma y lo vertebra. Todos los cuadros que carecen de esta base se desmoronan y resultan flácidos. Una garantía de calidad en pintura es un buen dibujo. La cuestión fundamental es qué cosa entendemos por un buen dibujo...pero esto es otra historia"

"Todo el mundo se pregunta qué cosa es el arte. Yo pienso que el arte es toda aquella creación humana que consigue elevar el espíritu a un plano superior de emoción y sobrecogimiento."

"...ser pintor, escritor, escultor o músico no otorga ningún rango por encima de cualquier otra profesión. Existen, por supuesto, infinidad de dedicaciones y labores que llevadas al extremo de su perfección superan indudablemente a la mayoría de las obras de los que se dedican al arte. Un maravilloso artesano creador de mantones de Manila puede llegar más lejos que un mediocre escultor, su trabajo puede ser muy superior. O un gran futbolista puede provocar mayores pasiones que la mayoría de nosotros, los pintores. Ser "artista" no es un seguro de nada. Pero si nace un genio seguro que solo nace para las grandes artes además de para la ciencia, la filosofía o la política. No podemos comparar la Capilla Sixtina de Miguel Angel o la Ley de la Gravitación Universal de Newton con el mejor de los goles del mundo. El Arte con mayúsculas es fácil de detectar; su luz continúa brillando a través del tiempo."

"La pintura española mantiene a lo largo de los siglos una mirada serena y melancólica: trágica pero nunca violenta. No existe pintura española violenta. Ni aún el más fiero Goya ni el más horrorizado Picasso perdieron jamás la compostura y la clase con sus pinceles."

"La Historia del Arte es la historia emocional y espiritual del hombre. Es un recuento de sus sentimientos más sublimes materializados en creaciones que traspasan el tiempo. Altamira y Lascaux son ejemplos primitivos de este afán del hombre por expresar sus emociones. Yo no creo que haya ninguna época artística superior a otra en cuanto al impulso inicial de dejar constancia material de una emoción o un placer espiritual; en cambio si creo que hay etapas del arte que son superiores unas de otras a partir del momento en que el ser humano progresa en su técnica. Así como el progreso científico va en línea siempre ascendente, el progreso artístico, que necesita de la tecnología para poder avanzar, crece en una línea ascendente aunque discontinua porque depende de al menos dos parámetros para ello: la técnica y la emoción espiritual. El arte no es un sentimiento; el arte es su plasmación, la encarnación, el sentimiento esculpido, escrito, materializado, mediante la habilidad técnica. El hombre primitivo no tenía más que unas mínimas herramientas para expresarse y por eso su arte es más básico que, por ejemplo, el Arte Barroco. El problema radica en que técnica y emoción no crecen siempre paralelas y quizás así, a veces, podamos encontrar etapas del arte que con una técnica inferior poseen un impulso emotivo y espiritual mucho más intenso y puro que otras, donde con más medios, el arte se debilita porque el alma del hombre está más enranciada, reprimida o manipulada. Si el espíritu del hombre pasa por una época sublime y libre, y le acompaña una tecnología superior, entonces estaremos hablando sin ninguna duda de una Edad de Oro del Arte."

"Siempre se ha dicho que El Greco tenía una enfermedad en la vista y que por eso pintaba las figuras alargadas. Yo creo que esto es falso y ridículo. Es muy fácil deducir que si yo veo una manzana y tengo una enfermedad visual que me hace percibirla alargada, de la misma manera la proyectaría alargada en el cuadro y un espectador con la vista sana la "desproyectaría" a su vez y la percibiría en su tamaño real. Si no, si El Greco pintase, como dicen, la manzana más alargada, su visión enferma la alargaría aún más al verla en el cuadro ya terminada, y, suponiendo que no era precisamente tonto, trataría de corregirla con lo cual su manzana alargada volvería a ser normal para cualquier espectador, incluido él mismo.
De igual manera, si yo confundo los colores en mi paleta y veo el rojo verde y el verde rojo, y quiero pintar un prado verde con una amapola roja, como resulta que tengo la vista equivocada me parecerá de un esplendido rojo el prado y verde su amapola, de forma que iré a buscar en mi paleta ese rojo, y, nuevamente, por mi enfermedad, me equivocaré y me parecerá que la pintura verde es de un rojo espléndido para el prado y así, inevitablemente, el cuadro acabará teniendo los colores correctos para cualquier espectador de vista normal.
El Greco poseía una maravillosa creatividad adelantadísima en el tiempo y un sentimiento ascético muy marcado que lo llevó a pintar esas formas alargadas para potenciar un sentimiento espiritual ascendente en el espectador, como ocurre con las catedrales góticas. Todas sus composiciones (salvo algunas, y en su descargo) las pinta en cuadros alargados, y no me lo imagino encargando un lienzo y un bastidor de tal o cual tamaño y protestando al pobre tendero toledano que porqué narices son tan chatos últimamente los bastidores de dos metros. En fin, espero que en un futuro no se diga que Picasso tenía una enfermedad visual que le hacía ver un ojo por aquí y el otro por allá, pero no las tengo todas conmigo."

"El dibujo no queda definido por la línea, ni la pintura queda definida por el color. La pintura todavía se salva, y esto es en parte lo que la define actualmente, de poder ser asimilada y comprendida a través de un monitor o una fotografía. En cambio el dibujo sí que es asimilable por estos medios; a mí, fetichismos aparte, me da igual tener un dibujo original de quien sea que una fotografía o un póster idéntico de él. Es la misma cosa y el dibujo se puede disfrutar idénticamente, al igual que pasa con leer un buen libro en una edición u otra, o ver la misma fotografía revelada por segunda o décima vez. Cuando no está en juego ni el fetichismo ni la plasticidad, todos estos soportes nos llevan a la grandeza -o miseria- de la obra. Pero en pintura siempre está en juego la plasticidad, lo plástico, lo mórbido, la opacidad o la transparencia, la superficie brillante o mate...cualidades estas imposibles de transmitir mediante un monitor de ordenador, un televisor, o un póster. Lo digital, lejos de arruinar las artes, lo que hace es evidenciar lo que de singular tienen estas, y la pintura se lleva la palma porque hoy por hoy es imposible disfrutar completamente de Las Meninas en una imagen, imposible sentir la poderosa sensación de vacío de la estancia donde pinta Velázquez, imposible percibir la cáscara nacarada de la capa pictórica del cuadro, inútil girarse y verla de lado para poder sentir las delicadas protuberancias y estrías de la pintura del genio. Y no digamos nada de cuadros de Tàpies, o de Lucian Freud, o de Jasper Johns...El color y la disposición de las formas nos pueden sugerir mucho, desdeluego, pero se quedan lejos, no bastan para expresar la plasticidad del cuadro. Esto es la Pintura."
De la misma manera y por todo esto, existe la pintura sin color y de solamente línea y plasticidad, y existe el dibujo con toda la saturación imaginable del color y sin líneas. ¿Es entonces peor en jerarquía el dibujo que la pintura? No. Yo pienso que nada es un estorbo y que todo son avances. El ordenador y los programas informáticos de pintura y dibujo son nuevos lápices y pinceles que añadir a los ya existentes para poder trabajar. Ayudan, son más material, más medios para el pintor. Pero ojo, mientras no se invente la plasticidad digital, o como se fuera a llamar, que se olviden de querer vender cuadros mediante fotografías y que se olviden de que queramos visitar un museo online. Podemos llevarnos una idea tan solo, una aproximación del asunto, pero el latido fetichista se queda en el museo junto con el pálpito de lo que es único y no admite copia."
A la pintura le ocurre algo similar que al teatro con el cine. El cine es un arte con mayúsculas, un nuevo formato conquistado por las musas para llevar el espíritu del ser humano hasta lo sublime; es tan fuerte e intenso como cualquiera de las grandes artes. Pero aún siendo así, lo que lo diferencia del teatro y de las artes escénicas (danza, mímica, toreo etc) es ese algo que precisamente define al teatro: Lo directo, la tridimensionalidad que envuelve al espectador en un momento único, en una actuación única, irrepetible, el olor preciso, el grito y la modulación exacta pero diferente en cada escenificación, la visión real del actor, el fetichismo de su presencia y de la presencia dramática del sentimiento del dramaturgo...todo es asombrosamente parecido a los huecos de una pintura, a su aparición diferente en cada instante, a su dependencia del tiempo siendo distinta según éste la va modelando con sus humedades, sus grietas, sus decoloraciones. El teatro está vivo y la pintura está viva.
Pero ¿significa esto que un cuadro es superior al arte fotográfico o a un póster de un buen dibujo? y, ¿es superior por lo mismo el teatro al cine? Yo pienso que quizás no lo sean, pero si el cine es capaz de llevarnos por caminos imposibles hasta ahora para el teatro, y un dibujo digital o una fotografía son capaces de juegos y expresiones que la pintura no puede, en cambio, el teatro y la pintura poseen ese embrujo de lo directo, del instante glorioso, como el embrujo del cantaor que te canta a ti y solo a ti. Y eso quizás no sea superior pero...¡qué lujo!

¿Que mi pintura no es surrealista? Desde el momento en que un jarrón no se posa sobre una mesa sino que gravita, o que el sombrero que le coloco a una mujer es un sol en el ocaso, estoy haciendo surrealismo. Mejor o peor, pero surrealismo. Qué aburrimiento y qué monserga con que la pintura surrealista tiene que ser chiclosa, lamiosa, con degradados siempre blandos y trucos de prestidigitador que esconde culos...leer más
José Manuel Merello

"Los caballos y los niños. Las mujeres gordas, las mujeres hermosas y las señoras antiguas. Los magos y los poetas. Los perros y los gatos dormidos. Los toros y los toreros españoles. Las procesiones de Sevilla y de Málaga. Los cristos crucificados, llenos de sangre y plegarias. Y los santos. Una Virgen para cada pueblo. El sol y la lluvia del Cantábrico. El mar, la pasión, el amor y el arte del Mediterráneo. La pintura y la arquitectura más antigua. Y la más moderna. Los bailes y danzas de los pueblos perdidos. La literatura castellana extendida por el mundo entero. Rojo intenso, púrpura, negro y aceituna. El equilibrio entre el sol, la luna y las estrellas: esto es el arte español."

¿Cómo será el arte en el año 2011 y en el futuro próximo? La libertad define el arte actual. Las ferias internacionales de arte son muy divertidas e intrigantes; son retos para el pensamiento y para las emociones humanas. Pasear por una feria de arte contemporáneo como ARCO, en Madrid, es actualmente una liberación mental. Usted puede pensar que aquello que está viendo no es "arte", usted puede pensar que algunas creaciones artísticas no son morales y deducir entonces que no son arte. Pero usted se equivoca. El arte no depende nunca de la moral. Ninguna obra de arte le debe nada a ninguna forma de pensamiento ni ideología. El espíritu humano es libre. El arte es libre. El arte está más allá del bien y del mal. Lo necesario es impedir algunas formas artísticas que son violentas, peligrosas, dictatoriales. Impedirlo porque necesitamos normas para la convivencia o porque es eticamente inaceptable. Por ejemplo, podemos convertir el Amazonas en un jardín vacío, desnudo, con solamente un arbol. Seguro que podría ser una obra de arte conceptual. Pero sería realmente estúpido. La barbarie y la brutalidad pueden manipularse con mucho arte. No sería moral, quizás sería arte, pero no debe ser permitido.
Otra equivocación común para muchos visitantes de ARCO es pensar que allí solo puede haber pintura. No. La pintura es una parte del arte muy importante, pero solo una parte. Muchos pintores se quejan porque hay muy poca pintura en las ferias de arte actual. Ellos tienen parte de razón, quizás las galerías de arte deberían tener más pintura expuesta allí. La pintura moderna o la pintura clásica son maravillosas, una forma muy evolucionada de arte...aunque no es necesaria para él. Eso sí, muchas creaciones actuales son solo arte efímero, arte para pensar y meditar durante unos minutos. Y eso sí que es una diferencia muy muy interesante.

"El Gran Secreto...Si no fuese por todo lo que he dibujado al aire libre en los parques, calles y playas, cara a cara frente al mundo, hubiese sido imposible adquirir toda la iconografía y toda la información de la que dispongo para poder luego pintar. Cuando trabajo en la soledad del estudio, mis cuadros, desbordantes de color, acudo a la memoria de lo visto y dibujado en carne viva. No basta con salir fuera y mirar, -que también es fundamental- sino que hay que salir y dibujar. Es decir, trabajar la mano, el ojo y la mente con el lápiz y los colores allí mismo, inmerso en el mundo de lo real, atento y vigilante. En ese estado, rodeado de gente culta e ignorante, de ricos y pobres, de aduladores, avasalladores e impertinentes; envuelto entre niños y abuelos, entre mujeres bellísimas y otras que no lo son tanto; rodeado de perros y gatos, de nubes, estrellas y crepúsculos, árboles, flores, mar y vida abundante, uno se encuentra presionado y exigido de manera que la mente entra en estado de máxima alerta y concentración entrenándose de la manera más eficaz posible, para luego servirse de ella, generosa, en el estudio. No solo de los recuerdos me sirvo, no, sobretodo de ese estado de atención plena (mindfulness) que te devuelve información grabada a fuego. La tranquilidad del estudio debe ser el último paso. Nunca el primero. Manipulando una frase de García Lorca aquí se puede decir, en cierto modo, "que lo primero es ser hombre y lo segundo poeta". También Picasso dijo en una ocasión que "con los pintores habría que hacer como con los jilgueros, que les sacan los ojos para que canten mejor". Es una boutade salvaje, obviamente, pero con un profundo significado sobre la pereza y el conformismo creativo sin pasar primero por el látigo del dibujo y la observación bajo presión. En el mundo cómodo y dormido que vivimos en occidente a veces es obligado provocarse este látigo limpio (no se trata de masoquismo alguno), como hizo Turner al obligarse a vivir la furia de una tormenta en el mar atado al mástil de un navío y poder luego pintar, con pleno derecho y máximo conocimiento, sus famosos cuadros de tormentas y huracanes.
Provocar estas situaciones es una gimnasia necesaria para la mente de un pintor. En un documental sobre la película "Chico y Rita" de Trueba y Mariscal, me llamó la atención un dato que quizá pasara desapercibido para muchos. En un momento dado Fernando Trueba muestra los dibujos hechos del natural por el gran Javier Mariscal en La Habana y Nueva York años atrás. Fue solo un segundo y puedo estar muy equivocado, siendo la actitud y la finalidad de Mariscal con estos dibujos otra muy diferente (lo considero un gran artista, vaya por delante). Pero algunos de estos trabajos -los que me llamaron poderosamente la atención- me parecieron dibujos sin valor aparente, dibujos de alumno primerizo de arquitectura, descriptivos, torpes, sin la gracia y el arte de Mariscal -que dibuja como quiere-. Lo extraordinario, pienso, y lo que los hace tan interesantes es que estos dibujos son fruto de la asimilación de lo que el pintor está viendo: Mariscal está grabando información en su mente, no está pretendiendo hacer arte. Está, lisa y llanamente, trabajando bajo las bombas. Necesita "dibujarse" el objeto, edificio, persona, allí donde está para apoderarse de él. Con esa información, con ese músculo de lo visto y aprehendido en sus detalles puede posteriormente revivir La Habana y Nueva York en el estudio y manipularla distorsionándola a su antojo, pero solo porque su mano la conoce in situ y su ojo la ha vivido entre los alientos, calores, fríos, gritos e impertinencias, susurros, cambios de luz, de lo directo. De lo vivo. Y así es, ha vivido la cosa y el entorno de la cosa inmerso en ellas y con el lápiz. No importa la obra, es solo dibujar para "tomar nota", tomar conciencia plena, olvidándose de todo resultado. Inteligente pintor que sabe que hasta lo más conceptual y moderno tiene que ser primero despellejado allí donde se encuentre. Avasallado, destripado y asumido en su realidad. Tomado posesión de ello mediante el dibujo trivial consciente.
Por todo esto y por mucho mucho más yo siempre he necesitado dibujar personajes y paisajes en los lugares más llenos de vida. Aunque solo sea para ver y observar bajo presión, atento al asunto pero indiferente al resultado. Si se está plenamente atento se aprende más de lo malo que de lo bien hecho, se aprende más de los errores que de los aciertos. Esto solo es posible dibujando libre y de incógnito por el mundo. Es obvio que cada día me cuesta más, que algún día no podré permitírmelo porque dibujar niños, mujeres y personajes de todo tipo y condición, bajo una presión semejante, me provoca una ansiedad que ya no domino. Pero no importará. Ya soy orgulloso poseedor de mucho músculo acumulado, muchos gigas de información almacenada, atado al mástil, como Turner...mucho dibujo bueno, malo y trivial que se grabaron a fuego lento durante años otorgándome un equipaje mental que no tiene precio."
José Manuel Merello

OCTUBRE 2011

Van Gogh, Leonardo da Vinci, Mozart y Marylin. Coincidencias.

Más tonterías. Ahora le toca a Van Gogh. Acaba de salir un nuevo libro que especula sobre sus últimos días de vida; sobre si se suicidó o lo mataron por accidente. No he leído el libro pero sí algunas citas como aquella en la que le preguntan a Vincent, que se desangraba en su lecho, si se había querido suicidar y contestó “creo que sí”. Ea, ya está, esto significa que hay libro que escribir porque semejante respuesta pudiera indicar que no fue él quien apretó el gatillo pero que le suicidaron al fin.

Esta sandez y otras que cita el libro justifica sin vergüenza alguna plantear una intriga nueva que seguramente dará mucho dinero, -porque luego irá al cine, y si no al tiempo-. No importa enredar y hurgar lo que haga falta, sin el menor respeto, en la vida de un ser que lo dio todo a cambio de nada. Es repugnante este gusto por lo que pudo ser a costa de cualquier bobada y tirando de leyenda para acabar construyendo un jeroglífico que pueda dar morbo y pasta por mucho tiempo. Me parece una falta de respeto indignante hacia el genio generoso.

Es lo mismito que con La Monalisa de Leonardo. Venga, a ver qué inventamos ahora o qué podemos descubrir bajo la manida, pesada y nada enigmática sonrisa de la Donna. Oye, mira, creo que este pelo de su cabello tiene forma de cruz de alguna secta rara y esta unión de puntos que creo ver es la pista de un secreto poderoso que implica que Leonardo conocía ya la existencia de los neutrinos. Y así sin parar, una tontería tras otra, da igual que La Gioconda sea un cuadro mediocre (más allá del empleo del “sfumato” como innovación), mediocre, que sí, que en su contexto histórico y demás puede tener su cosa pero que plásticamente no llega muy lejos. No importa. Ya han conseguido que se convierta en un icono a base de chácharas y patrañas, y entonces, a partir de ahí, empieza a tener su interés, completamente al margen de su calidad verdadera. Como la imagen de Marylin en el pop art. Nada más. Pobre Marylin, cuanta gente sigue lucrándose con su imagen y su muerte. Estoy convencido de que a Da Vinci todo esto le daría, sobretodo, pena. Mucha pena.

Y si no Mozart. Él y su muerte. Salieri y Mozart enredados en una maraña que ensucia para siempre la imagen del gran hombre dejándolo por los suelos como a un payaso retrasado en la por otra parte extraordinaria película de Milos Forman, “Amadeus”. Es siempre igual: intrigar o hacer arte a costa de lo que sea. Caiga quien caiga. Siempre digo que el arte no entiende de moral pero eso no nos da derecho a crucificar perros y tampoco a que hagamos intrigas y cábalas sobre seres humanos que solo hicieron que engrandecer nuestro espíritu dejándose la vida en ello.

Me entristece mucho que no paren de remover las orejas, los huesos, la miseria y la intimidad de estos mártires del arte.

Que los dejen en paz.

“José Manuel Merello”

ENERO 2012
El arte en épocas de crisis ("P.M. Giménez")

El arte como todo producto comercial está notando igual o más, ya que no se trata de un producto de primera necesidad, las batidas de la situación económica actual. Sin embargo, como en todas las épocas de cambio y redirección de los paradigmas políticos, económicos y sociales el arte puede salir enriquecido e incluso fortalecido de una situación como esta.

En el mundo del arte, en concreto en el de la interpretación, los actores anuncian que ciertos niveles de ansiedad y estrés son capaces de despertar en ellos una capacidad de concentración y transmisión con la que no cuentan en situaciones normales. ¿Y qué es el momento actual sino una situación de turbulencia y continua expectación? El arte, se ha visto, por suerte o por desgracia, nutrido de muchos o todos los grandes episodios de convulsión humana, muestras de ello son el Guernika de Picasso o los Fusilamientos del 2 de mayo de Goya.

¿Sería entonces posible esperar que de la situación actual florecieran grandes obras de arte o incluso algún nuevo movimiento artístico? Movimiento que podría desembocar en dos vertientes bien distintas, una que se enfocara hacia la crítica y que mirara al pasado centrándose en los sucesos y comportamientos que han desembocado en la actual crisis económica, y otra que ensalzara todo aquello que nutre y dota al ser humano de una segunda oportunidad para reorientar sus procesos económicos, sociales y políticos, como la inteligencia y la generosidad. "P.M. Giménez"

SEPTIEMBRE 2012

PINTURA CÓMODA, FÁCIL Y OPORTUNISTA. PINTURA MALA.

Para los que no saben leer, o sacan los cosas de contexto, vaya por delante que pienso que cada cual es muy libre de pintar y exponer lo que le venga en gana. Pintores y galerías. Con lo que escribo a continuación solamente quiero dejar constancia de mi tristeza ante la invasión de pintura fácil y de ese nuevo decorativismo cómodo y enmascarado de modernidad que está convirtiendo el mundo del arte en parques temáticos donde la calidad y autenticidad brillan por su ausencia.:

-No me gustan los pintores de Marylines ni de Meninas. Ni de Obamas ni de Budas. No hay ni uno que pinte medianamente bien. Si veo una Menina actual o una Marylin tiemblo, porque sé, sin atisbo de duda, que su autor es torpe y lo que es peor; o no se ha dado cuenta de su torpeza o es un oportunista.

-Aborrezco tanto cuadro de Nueva York, triste, de oscuros grises y marrónes bituminosos. Nuevayores que se clonan y se reproducen con una especie de "antoniolopismo" mal entendido que da pena (cuando Antonio López pintó su "Gran Vía" Madrid era tal como su talento la describió: un Madrid gris, contaminado y de color ceniza. Actualmente la ciudad ya no es así y el pintor, fiel a sí mismo y de ojo certero, la pinta como es ahora; basta con observar su cuadro "Madrid desde Vallecas", perfecto reflejo del estado real de la urbe: sin concesiones, con sus adosados pulcros y su burbuja inmobiliaria retratadas para siempre). Qué distinto compromiso que el de aquellos oportunistas que se empecinan en seguir viéndolo todo nublado, deprimido, con un Nueva York amargado y bajo el yugo del gris opresor. Es el sorollismo actual, como aquel que se cargó a Sorolla y lo condenó a pintor fallero gracias a la tropelía de pintores, malos a rabiar, que lo interpretaron y edulcoraron hasta convertir su poderoso legado en zumo de naranja batido en almíbar.

-Detesto a los pintores sin recursos y débiles de factura que recurren al collage, lánguido y manido -y a la tipografía y los transfers-, para tapar sus vergüenzas y sus carencias. El collage, maravilloso descubrimiento técnico donde los haya, debe ser breve, transversal y sucio; surgido de la entraña orgánica de la pintura cuando ésta lo exige. Y no un simple añadido decorativo.

-No me gustan los coloristas, intensos porque sí, que no entienden que el color, por fuerte que sea, es como una bestia a la hay que saber templar y coordinar con especial cuidado para que tenga gracia, elegancia y categoría. El buen color, aun el más fuerte y contrastado, es manso en su bravura y no molesta al ojo.

-Igualmente abomino de los coloristas amables, empalagados de celestes, rosas, azules bebé y grises pastelosos que no quieren molestar a nadie sino tan solo encajar bien sobre el eterno sofá del pobre cliente que nada entiende. Eso sí, con algo de collage suavito y algunas letras de diario para darle un toque moderno. Y todo a cuatro duros.

-Me hacen llorar los cuadros construidos a base de fotografías gigantes -vintage a ser posible-, cuatro bandas de color, unos manuscritos viejos pegados, y, cómo no, unas letras o un texto enormes que apañen el conjunto.

Ay, me temo que el mercadeo a bajo precio y el estilo del tipo "cuadro oportuno, barato, moderno y decorativo, para hotel o sofá de salón", de las grandes multinacionales del mueble asequible, se está instalando sin remedio en muchas galerías de arte.

¿Será ésta la definitiva muerte de la pintura?

"José Manuel Merello" Valencia 2012

FEBRERO 2013

PINTORES ESPAÑOLES. PINTORES DEL MUNDO.

La pintura española actual camina con un pie puesto en el siglo XX y otro en el XXI que aún está por determinar. La primera década de este nuevo siglo, como era previsible, no ha cambiado el aire ni ha aportado nada nuevo en el panorama del arte español (ni mundial). Ni para bien ni para mal. Simplemente continúa con inercia lo andado básicamente desde el Pop y el Expresionismo americano, el Minimalismo y cierto Hiperrealismo. Y en mi opinión está bien que así sea, porque la medida del tiempo nos demuestra que el ritmo frenético de innovar a toda costa es algo que pudre el natural curso del arte y en particular de la pintura. Visto con perspectiva se continúa pintando como en siglos anteriores: el soporte sigue siendo una superficie plana, generalmente rectangular, colgada de la pared a la altura de los ojos del espectador; los medios pictóricos son casi los mismos: óleo, acrílico, tierras, polvos de mármol, pigmentos...las herramientas muy similares si no idénticas: pinceles, brochas, espátulas, sprays y poco más. El cometido, la finalidad de la pintura, a partir del siglo XVII es la misma, solo actualmente enriquecida por un nuevo concepto de arte como valor intrínseco en sí mismo, sin mensaje, y también por el uso de la pintura como arma de crítica social. Así pues, dentro de mil años, todos nosotros, los pintores del mundo y los pintores españoles de hoy, seremos casi indistinguibles de los pintores de siempre. Solamente un cambio de paradigma radical, que hoy no podemos ni atisbar, podría ser un punto de inflexión que marcase un arte nuevo. Y por eso creo que los pintores no deben insistir en encontrar algo completamente inusitado y revolucionario cada día. Es realmente estúpida esa pretensión, vanidosa y egocéntrica, de creer que tu edad contemporánea es la única edad contemporánea que ha existido, o la más importante de todas ellas. Y no. Tal vez lo sea para ti como sujeto presente que está vivo, pero en términos históricos todo momento fue contemporáneo mientras transcurrió, todo artista estaba viviendo en la más absoluta modernidad, en el más completo presente imaginable ("Hoy es siempre todavía" ANTONIO MACHADO). Tan solo el genio puede marcar diferentes tendencias que aun así, desde el momento en que las integra y son engullidas por su realidad presente no lograrán salirse del perímetro infinito que dibuja la circunferencia casi perfecta de la pintura de todos los tiempos, que caracolea en un bucle casi cerrado que lejos de limitarla en parte la define. Para mí, pintor español, mejor o peor, es fascinante saber, darme cuenta, que pertenezco al mismo tiempo geológico que los pintores antiguos de Hispania, de Velázquez, de Picasso o de Miró.

El tiempo, su transcurrir implacable, nos unificará a todos en un mismo movimiento pictórico eliminando teorías, crisis, invenciones disparatadas y discursos que quedarán invariablemente en simple polvo.

Y yo, consciente de ello, sin estridencias, lo único que pretendo es hacerlo lo mejor posible cada día.

"José Manuel Merello" Valencia 2013

DICIEMBRE 2014

EL LADO OSCURO.

"Lo cierto es que admiro muchas de las extrañas pinturas de algunos Grandes Maestros del Arte que no otorgan concesiones a nada, que no dan tregua a la belleza asumida y que se sumergen en las más insondables simas de la pintura. Cuadros de consciente rareza (muy difíciles de pintar), impecables en su ejecución, de pureza absoluta, de una franqueza obsesiva; pero oscuros, delirantes, cerrando el circulo de la fiebre de la mente. Es el psicoanálisis de la pintura. Pienso en Picabia, en Solana, en algunos Picassos, en el Goya de las pinturas negras, en Julian Schnabel. No me olvido de Lucien Freud, ni del primer David Hockney, ni de los hiperrealistas sufridos, ni de tantos otros. Su obra me fascina y me inquieta. Y la agradezco, por su generosa ofrenda al arte del lado negro del hombre. Pero yo trato de digerirlo y depurarlo en la parte que me toca sin olvidar que son fantasmas del alma humana que están ahí, aunque tratando de reconducirlos hacia un arte que no olvide la alegría de la vida, la serenidad, la potencia de la salud, el sol radiante de la mañana, el cielo despejado del corazón humano cuando es compasivo. Esta decisión de vital homenaje a la alegría, en Arte, no es ni mejor ni peor camino, pero es mi camino".

COMPOSICIÓN

"La composición lo es todo. Una compensada composición de espacios, una equilibrada composición en las líneas, una justa ponderación del color...todo, absolutamente todo es composición en pintura"

DICIEMBRE 2016

¿SENTIMIENTO?

"No te engañes. El sentimiento solo no sirve de nada en pintura (ni en ningún arte). Es la técnica refinada y el conocimiento profundo de los mecanismos internos de la pintura lo que hace que ésta funcione y se muestre en todo su esplendor, con todo su sentimiento a flor de piel."

FRÍO

"A veces me desespero con el arte de vanguardia, frío, nihilista, presuntuoso. Incluso gran parte del realista está recorrido por un helor glacial que da miedo, por reaccionario. Tampoco siento clemencia ninguna por los naturalistas, impresionistas, expresionistas y surrealistas modernos en los que el azúcar es el único ingrediente. Pintura, ¿dónde estás?"

EXCUSAS

"¿Un bodegón?, ¿un paisaje?, ¿un desnudo?, ¿una abstracción?, ¿un retrato? Una flor, una luna, un jarrón, un mar turquesa, un árbol frondoso, los ojos verdes, azules, cetrinos, los ojos negros, ¿Un caballo?, ¿un gorrión?. Qué más da, son caprichos, son simplemente excusas para PINTAR."

POPEYES y FORMOL

"No sé muy bien qué pensar sobre el arte contemporáneo más fustigante de hoy, trato de ser siempre lo más prudente que puedo y no caer en un juicio fácil con artistas de la talla de Jeff Koons o de Damien Hirst, por citar dos auténticos dioses enjoyados del arte (o del mercado del arte, que a veces es casi lo mismo). Para mí es importante que surjan artistas tan extremos como ellos porque me mantiene vivo en un contradictorio sentimiento de rechazo y de bofetada fresca, aunque muchas de las veces ni los entienda. La Historia del Arte demuestra que a cada Movimiento nuevo le surge una especie de reacción contraria, de negación y rechazo iniciales que no es otra cosa que una Ley de Newton reflejada en el rechazo de lo viejo a lo nuevo. Visto con perspectiva todo está bien; están bien los cambios y están bien los rechazos que estos provocan. Todo es tensión. Todo forma parte del juego y de paso pule y centra las más descabelladas propuestas evitando que se escapen de órbita al espacio sideral. La obra de estos dos artistas que cito, Hirst y Koons, son extremas, de un golpe transportan la obra de otros artistas al Neolítico y ese zarpazo brusco o te sana o te destroza como pintor. Pintores tan transgresores como Van Gogh se vieron, de pronto, metidos en los museos por obra y gracia de un Picasso que a su vez -quién lo iba a decir- perdió su melena de Sansón por un Pollock desollado por un Warhol ahora solo un juego de niños frente a Jeff Koons o Damien Hirst, por poner solo unos ejemplos y en un orden inventado que no tiene por qué ser el histórico ni lo pretendo. Es solo para sacar a la luz esa poderosa fuerza de la innovación que da al traste con todo, aunque siempre, siempre, apoyada sobre ese todo que niega. Qué belleza de mundo vivo que avanza a golpe de corazón, un borbotón de sangre adelante, un recogimiento hacia detrás. Adelante, hacia atrás, adelante, hacia atrás. Imparable."
© José Manuel Merello (Febrero 2017)

Importancia de la técnica en pintura

"Se dice que un buen pintor puede hacer una obra de arte con los más elementales materiales, se dice que con dos o tres colores de la calidad que sea y sobre cualquier soporte por absurdo o barato que fuese ya te transporta al cielo con su arte. Y yo así lo creo, porque definitivamente lo que importa es el resultado y no los medios disponibles para llegar al fin deseado. No obstante este planteamiento esconde una trampa peligrosa que lleva a pensar que los materiales y la técnica no importan, sino el sentimiento y la astucia, la sola habilidad del pintor. Esto efectivamente es una trampa oscura para un artista y para su público ya que el Arte se asienta sobre la técnica más depurada y ésta sobre los materiales más exquisitos. Y no es algo caprichoso o sibarita sin más, es el resultado natural del aprendizaje más profundo y de la investigación más cuidadosa de las entrañas de la pintura, algo que solo los pintores que se entregan a su oficio durante años y años son capaces de alcanzar a entender. Cuando avanzas por el apasionante pero pedregoso camino de la pintura te vas encontrando con problemas de armonía en el color, en las formas, en la textura. Con el tiempo mejorarás en el dibujo y en el esquema con solo un lápiz y una hoja cualquiera, pero tropezarás con problemas que no tienen cura ni solución si no puedes acceder a un material refinado, y de la misma manera chocarás con un alto muro si piensas que éste material te va a regalar la solución cuando realmente es la sinergia entre ambas cosas, el mejor material y la técnica más sublime, unidos a la capacidad del artista y a su visión, lo que traerá como consecuencia el brillo intenso y elevado de una buena pintura. Y cuando esta combinación de todo -que puede tardar años en llegar si por ejemplo el pintor es pobre- llega al fin, entonces sí, entonces un pintor así formado puede coger un concha de la orilla del mar y trazar un maravilloso dibujo en la húmeda arena, lo podrá hacer porque sabrá escoger la concha con el filo más adecuado, conocerá la presión que tiene que ejercer sobre el manto arenoso, la inclinación, la abertura de la incisión y lo hará con el cuidado primoroso para conjugar todos estos elementos en una impronta impecable. Lo extraordinario es que todos estos conocimientos para el arte más pobre o más primario no le vendrán de la nada ni de su maestría natural, le vendrán de haber conocido y trabajado intensamente con un pincel bueno y uno malo, con un pincel que apoya su codo con la tensión justa sobre el lienzo y que rebota imperceptiblemente provocando una pincelada celestial pero también con la conciencia añadida de un pincel pobre de pelo mocho y quebradizo que raspa y arañará la superficie, de manera provechosa si se trata de un toque expresionista o semejante, pero que de ninguna manera le permitirá realizar una gradación exquisita y suave si la necesita. Y así es con todo, así es con los pigmentos escogidos, con los aceites, con las resinas. Así es también con el soporte y la base, con su absorbencia, con su arrastre, con su grano...la complejidad debida a la colaboración de tantos factores llega a su cota más alta y a su dificultad máxima, pero es solo de ella de donde se pueden conseguir los mejores y más maravillosos resultados.

Es cierto, puedes pintar con un palo raspando un tronco, pero si conoces los materiales en profundidad, desde la escala más inferior a la más suprema, y manejas la mejor técnica, sabrás escoger el mejor palo, afilar bien su punta, encontrar la zona más indicada del tronco, aprovecharás sus protuberancias, dominarás tu muñeca y acertarás con el mejor giro de tu mano. Y solo así tu huella sobre el árbol será una huella perenne y hermosa, una huella sin tiempo." © José Manuel Merello (Abril 2017)

El origen

"La Pintura siempre vuelve. De hecho nunca se fue. Es como el ansia de campo, de establo orgánico, de olor a tierra mojada que nos sacude el alma cuando, de pronto, despertamos lúcidos en medio del ruido y del fragor de cualquier absurda ciudad contemporánea. La Pintura es el regreso, el retorno; nosotros nos marchamos una y otra vez pero ella siempre sigue ahí, al rescate. La Pintura es Altamira: EL ORIGEN."
© José Manuel Merello, 2017

Colores feos

"No existe un color feo o un color bonito. Si existe la armonía, hasta el más triste de los colores brilla imperioso como el sol" © José Manuel Merello (2017)

Catedrales

"La pintura es construir, y construir es delimitar, cimentar, compensar y ponderar para encontrar un equilibrio; construir es izar, levantar paso a paso hasta elevar una idea. Construir es germinar y edificar, de abajo a arriba, de dentro a afuera, la simiente del alma humana mediante la técnica más depurada. Pintar es levantar una Catedral."
© José Manuel Merello. (Julio 2017)

El Arte de la Pintura

"La Pintura es la Danza del pincel, el Teatro quieto de un suceso, la Arquitectura de la composición, la Música del color, la Literatura de la forma y su misterio, la Escultura del tiempo atrapado...LA PINTURA ES EL ARTE. "
© José Manuel Merello (Junio de 2017)

"La Pintura es lo que puedas hacer con colores, formas y texturas sobre un espacio bidimensional. Lo demás está muy bien: las Instalaciones, Performances, el Videoarte, incluso la Alta Costura. Todo está perfecto, pero no son Pintura. No son El ARTE DE LA PINTURA."
© José manuel Merello

Sed y Respiración

"La pintura es como una crema untuosa que extiendes sobre la piel sedienta del cuadro. Si te pasas, el cuadro no respira; si te quedas siempre corto la sed no se apaga."
© José Manuel Merello, Valencia 2017

"La buena pintura nunca puede ser aburrida, ni reiterativa, ni repetitiva. Da lo mismo si es pintura hiperrealista, expresionista o popart. El aburrimiento es señal inequívoca de falta de creatividad; es la oscuridad y la peor negación del ARTE."
© José Manuel Merello

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